# Bronx et hip-hop : sur les traces des origines d’un mouvement mondial
Le 11 août 1973, dans un modeste appartement du Bronx à New York, une fête d’anniversaire allait bouleverser l’histoire culturelle mondiale. Ce soir-là, un jeune DJ jamaïcain a posé les premières pierres d’un mouvement qui transcenderait les frontières géographiques, sociales et culturelles pour devenir l’une des forces artistiques les plus influentes du XXIe siècle. Le hip-hop n’était pas simplement une nouvelle forme musicale : il représentait l’expression brute d’une génération confrontée à la marginalisation, à la pauvreté et à l’abandon urbain. Aujourd’hui, ce phénomène culturel génère des milliards de dollars et influence la mode, le langage, la danse et l’art visuel à travers le monde entier. Pourtant, ses racines restent profondément ancrées dans les rues défoncées et les immeubles délabrés du South Bronx des années 1970.
## Sedgwick Avenue et la naissance du hip-hop en 1973
L’adresse 1520 Sedgwick Avenue est devenue un lieu de pèlerinage pour les amateurs de culture urbaine du monde entier. Ce bâtiment de logements sociaux, situé dans le quartier de Morris Heights, a accueilli l’événement fondateur du hip-hop. Contrairement aux mythes qui entourent souvent les mouvements culturels, cette naissance n’était ni planifiée ni prévue pour devenir révolutionnaire. Il s’agissait simplement d’une fête organisée par Cindy Campbell pour son frère, dans la salle commune de leur immeuble. Personne ne pouvait imaginer que cette soirée allait marquer le début d’un bouleversement culturel planétaire.
Le contexte urbain du South Bronx en 1973 était celui d’une zone sinistrée. Les politiques d’aménagement urbain, notamment la construction de la Cross Bronx Expressway, avaient dévasté les communautés établies. Les propriétaires immobiliers abandonnaient leurs bâtiments, provoquant des incendies criminels pour toucher les assurances. Le quartier recensait jusqu’à 30 000 incendies par an à cette époque. Les gangs proliféraient, le trafic de drogue explosait, et les services publics se désengageaient progressivement. Dans ce paysage de désolation, les jeunes cherchaient désespérément des moyens d’expression et d’évasion.
### DJ Kool Herc et la technique du breakbeat au 1520 Sedgwick Avenue
Clive Campbell, connu sous son nom de scène DJ Kool Herc, était un immigrant jamaïcain qui apportait avec lui l’héritage des sound systems de Kingston. Sa contribution technique fondamentale fut l’invention du breakbeat, une méthode révolutionnaire qui consistait à isoler et prolonger les passages instrumentaux les plus rythmiques des morceaux funk et soul. En utilisant deux platines et deux exemplaires du même disque, Herc pouvait faire tourner en boucle ces breaks pendant plusieurs minutes, créant ainsi une nouvelle expérience sonore hypnotique et énergisante.
Cette technique transformait radicalement la relation entre le DJ et le public. Plutôt que de simplement enchaîner des chansons, Herc devenait un architecte sonore, construisant des paysages rythmiques inédits. Les danseurs, qu’on commencerait bientôt à appeler b-boys et b-girls, attendaient ces moments de break pour exécuter leurs mouvements les plus spectaculaires. Le système sonore de Herc, baptisé « The Herculords », était réputé pour sa puissance acoustique exceptionnelle, capable de faire vibrer les murs et de se
propager à plusieurs pâtés de maisons. À l’époque, ce dispositif artisanal surpassait souvent en impact les systèmes professionnels des clubs de Manhattan, tout en restant profondément ancré dans la réalité des quartiers populaires.
Les block parties du south bronx comme laboratoires culturels
Très vite, les fêtes organisées au 1520 Sedgwick Avenue sortent des murs pour investir les trottoirs, les parcs et les cours d’immeubles : ce sont les fameuses block parties. Un DJ, quelques enceintes raccordées à un lampadaire, un micro et des caisses de vinyles suffisent pour transformer une portion de rue en dancefloor à ciel ouvert. Dans un Bronx ravagé par la crise, ces soirées gratuites jouent un rôle social central : elles rassemblent familles, enfants, gangs rivaux et voisins autour d’une même pulsation rythmique.
Les block parties deviennent de véritables laboratoires culturels. On y expérimente de nouvelles techniques de mix, de nouveaux pas de danse, de nouveaux slogans scandés au micro. C’est là que les premiers MCs commencent à prendre de l’importance, passant du simple rôle d’animateur à celui de véritable conteur rythmique. La rue sert à la fois de scène, de studio et de réseau social avant l’heure : si vous vouliez savoir « ce qui se passait » dans le South Bronx des années 1970, il fallait être présent à ces jams en plein air.
Le sound system jamaïcain et son influence sur la culture du bronx
Pour comprendre la naissance du hip-hop, il faut aussi regarder vers Kingston et la culture des sound systems jamaïcains. DJ Kool Herc, arrivé enfant à New York, a grandi dans l’ambiance des fêtes de quartier où des DJ installaient des murs d’enceintes pour faire vibrer la foule. À Kingston, ces sound systems ne se contentaient pas de diffuser de la musique : ils faisaient office de médias populaires, avec des toasters qui improvisaient des paroles par-dessus les instrumentaux, annonçaient des nouvelles, lançaient des piques à la concurrence.
Transposé dans le Bronx, ce modèle inspire directement la culture hip-hop naissante. Le rôle du DJ comme chef d’orchestre de la soirée, l’importance de la basse et des percussions, le fait de parler au public par-dessus les disques : autant d’éléments qui trouvent leur origine dans cette tradition caribéenne. On pourrait dire que le hip-hop est à la fois l’enfant des rues de New York et le petit-fils des sound systems de Kingston. Sans cette filiation, aurions-nous connu le MCing tel qu’il s’est développé par la suite ?
La rec room légendaire et les premières soirées fondatrices
La salle commune du 1520 Sedgwick Avenue, souvent décrite comme une simple rec room, occupe une place mythique dans l’imaginaire hip-hop. Pourtant, les premiers témoignages décrivent un espace modeste : un sous-sol bas de plafond, quelques tables pliantes, une décoration minimale. C’est justement cette banalité qui rend l’événement du 11 août 1973 si marquant : la révolution culturelle ne naît pas dans un studio high-tech, mais dans une pièce anonyme d’un immeuble HLM.
Lors de ces premières soirées, Kool Herc se tient derrière ses platines tandis que Cindy Campbell s’occupe de la logistique et de l’entrée payante. On y entend des disques funk et soul déjà connus – James Brown, The Incredible Bongo Band, Jimmy Castor Bunch – mais réagencés d’une manière totalement nouvelle grâce à la technique du breakbeat. Les jeunes du quartier commencent à se défier sur la piste, à se spécialiser dans les phases acrobatiques des morceaux. Ce qui n’est encore qu’une improvisation collective va rapidement se structurer en une culture identifiable : celle du hip-hop.
Les quatre piliers fondamentaux du mouvement hip-hop
Si la musique est le point d’entrée le plus visible, le hip-hop se définit dès l’origine comme une culture complète, articulée autour de quatre piliers : le DJing, le MCing, le breakdancing et le graffiti. Chacun de ces éléments répond à un besoin spécifique d’expression — sonore, verbal, corporel ou visuel — mais tous dialoguent en permanence. Comprendre ces quatre piliers, c’est saisir pourquoi le hip-hop est bien plus qu’un simple genre musical.
Le DJing et l’innovation technologique des platines technics SL-1200
Dans les années 1970, le DJ est au centre du dispositif hip-hop. Sa mission : sélectionner les bons disques, enchaîner les morceaux sans rupture et surtout prolonger les sections rythmées qui excitent la foule. Au départ, les platines ne sont pas conçues pour cet usage intensif : les moteurs s’usent, les courroies lâchent, les disques sautent. L’arrivée des platines Technics SL-1200, à entraînement direct, va changer la donne.
Robustes, précises et capables d’encaisser les manipulations les plus brutales, les SL-1200 deviennent rapidement l’outil de référence des DJ du Bronx. Elles permettent d’affiner le travail sur le tempo, de synchroniser deux disques avec une grande précision, de tenter des gestes plus audacieux sans risquer de casser le matériel. De Grandmaster Flash à Afrika Bambaataa, toute une génération de DJ va exploiter ces platines comme de véritables instruments de musique, ouvrant la voie au turntablism.
Le MCing et l’évolution des styles lyriques du bronx
À l’origine, le MC (Master of Ceremonies) est chargé d’animer la soirée : il présente le DJ, chauffe le public, signale les changements de morceau. Progressivement, cette fonction se transforme en un art de la parole rythmée. Les premiers MCs du Bronx — Coke La Rock, Melle Mel, Busy Bee — commencent par lancer des slogans simples, des appels-réponses avec la foule, des rimes basiques destinées à maintenir l’énergie.
Très vite, la compétition s’installe : qui trouvera la formule la plus percutante, le flow le plus original, l’histoire la plus marquante ? Dans ce Bronx marqué par la ségrégation et la pauvreté, le MCing devient un moyen de transformer l’expérience quotidienne en récit collectif. Des morceaux comme The Message (1982), porté par Grandmaster Flash and the Furious Five, montrent à quel point le rap peut être un vecteur de commentaire social. Ce glissement, de l’animation de fête au témoignage poétique et politique, est au cœur de l’évolution du hip-hop bronxois.
Le breakdancing et les crews pionniers comme rock steady crew
Sur les breaks prolongés par des DJ comme Kool Herc ou Afrika Bambaataa, une nouvelle forme de danse voit le jour : le breaking, plus tard popularisé sous le nom de breakdance. Inspirés à la fois par James Brown, les films de kung-fu, la capoeira et les acrobaties des Harlem Globetrotters, les b-boys et b-girls inventent un vocabulaire corporel inédit. Top rock, footwork, freezes, power moves : ces termes décrivent un ensemble de figures où la virtuosité technique se mêle au sens du style.
Parmi les premiers groupes structurés, le Rock Steady Crew occupe une place centrale. Né dans le Bronx à la fin des années 1970, ce crew va porter le breakdancing sur les scènes du monde entier, des battles de rue aux plateaux de télévision. Pour de nombreux jeunes du quartier, intégrer un crew, répéter sur un carton posé au sol et affronter d’autres danseurs lors de battles représente une alternative concrète aux gangs et aux trafics. Le corps devient un terrain de jeu, de défi et de sublimation des tensions urbaines.
Le graffiti sur les rames de métro MTA et l’art urbain du bronx
Parallèlement à la musique et à la danse, le Bronx des années 1970 voit exploser un autre langage : celui du graffiti. Sur les murs, les façades et surtout les rames de métro de la MTA, des adolescents armés de bombes de peinture inscrivent leurs tags — Phase 2, Tracy 168, Seen, Blade, pour n’en citer que quelques-uns. Ce qui peut sembler, vu de loin, comme un simple acte de vandalisme relève en réalité d’une véritable recherche esthétique et d’une lutte symbolique pour la visibilité.
Les rames recouvertes de pièces colorées circulent à travers toute la ville, transformant le métro en galerie d’art en mouvement. Comme le rap, le graffiti naît du besoin de dire « j’existe » dans une métropole qui ignore ou méprise ses habitants les plus pauvres. Avec le temps, ce langage visuel va quitter les tunnels new-yorkais pour inspirer les scènes artistiques du monde entier, et ouvrir la voie à ce que l’on appelle aujourd’hui l’art urbain. Mais c’est bien dans le Bronx qu’il acquiert sa dimension la plus radicale.
Les figures pionnières du hip-hop bronxois
Si le hip-hop est un mouvement collectif, certains noms reviennent systématiquement lorsqu’on évoque ses débuts dans le Bronx. DJ, leaders communautaires, rappeurs ou producteurs, ces pionniers ont structuré une culture encore informelle, posé des cadres éthiques et techniques, et ouvert les premières brèches vers la reconnaissance médiatique.
Afrika bambaataa et la zulu nation comme mouvement social
Parmi ces figures, Afrika Bambaataa occupe une place à part. Ancien membre des Black Spades, l’un des gangs les plus influents du South Bronx, il décide au milieu des années 1970 de transformer l’énergie des rues en force créative. Il fonde l’Universal Zulu Nation, un collectif qui se veut à la fois artistique et politique, prônant la paix, l’unité, le respect et le savoir comme alternatives à la violence.
Les fêtes organisées par Bambaataa attirent un public varié, où se côtoient b-boys, graffeurs, MCs et simples habitants du quartier. Musicalement, il se distingue par un éclectisme assumé, n’hésitant pas à mixer funk, rock, électronique européenne (Kraftwerk) et percussions africaines. Son morceau Planet Rock (1982) marque un tournant : il montre que le hip-hop du Bronx peut dialoguer avec les technologies émergentes et parler à une audience internationale, tout en restant porteur d’un message communautaire fort.
Grandmaster flash et l’invention du scratch au boulevard concourse
Autre nom essentiel : Grandmaster Flash, DJ originaire de la Barbade et élevé dans le Bronx. Obsédé par la technique, il passe des heures à expérimenter sur ses platines, cherchant à améliorer la précision des enchaînements et la fluidité des breaks. C’est dans cet esprit qu’il perfectionne ce qu’on appellera le backspinning (revenir exactement au début d’un break) et popularise le punch phrasing (insérer des fragments d’un disque par-dessus un autre).
Le scratch, geste consistant à faire aller et venir le disque sous la tête de lecture pour produire un son rythmique, est souvent attribué à Grand Wizzard Theodore, un autre DJ du Bronx, mais c’est Grandmaster Flash qui en fait un élément central de la performance. Autour du Grand Concourse et dans les clubs du quartier, ses sets deviennent des masterclass de turntablism. Avec les Furious Five, il propose également l’une des premières synthèses abouties entre virtuosité de DJ et puissance lyrique des MCs.
Kurtis blow et la première génération d’artistes signés en major
Au tournant des années 1980, le hip-hop commence à sortir des parcs et des salles communautaires pour intéresser l’industrie du disque. Kurtis Blow, originaire de Harlem mais étroitement lié à la scène new-yorkaise, devient en 1979 l’un des premiers rappeurs à signer sur un grand label, Mercury Records. Son single The Breaks (1980) se classe dans les charts et obtient un disque d’or, preuve que le rap peut aussi fonctionner en format studio.
Ce succès ouvre la voie à d’autres artistes du Bronx et de New York, de Sugarhill Gang à Run-DMC, même si ces derniers viennent du Queens. Pour la première fois, les majors considèrent ce son de quartier comme un potentiel marché. Cette reconnaissance commerciale n’est pas sans ambiguïté : elle permet à certains de sortir de la précarité, mais elle expose aussi le mouvement aux logiques de standardisation et de récupération. Le Bronx reste toutefois le point de référence symbolique de cette première génération « professionnelle ».
L’infrastructure urbaine du bronx et son impact créatif
Il est impossible de comprendre l’esthétique du hip-hop sans revenir aux transformations urbaines qui ont remodelé le Bronx après la Seconde Guerre mondiale. Autoroutes, rénovations sélectives, désinvestissement massif : la configuration physique du quartier a directement influencé les formes d’expression qui y sont nées. En un sens, les platines, les bombes de peinture et les boombox sont autant de réponses artistiques à un urbanisme perçu comme hostile.
La cross bronx expressway et la fragmentation des communautés
Conçue par l’urbaniste Robert Moses, la Cross Bronx Expressway traverse le borough d’est en ouest. Sa construction, entamée dans les années 1950 et achevée dans les années 1960, entraîne la destruction de milliers de logements et le déplacement forcé de dizaines de milliers d’habitants, souvent afro-américains, latinos et issus des classes populaires. Des quartiers entiers sont littéralement coupés en deux par cette autoroute surélevée, créant des fractures physiques et sociales durables.
Dans ce contexte, la rue devient à la fois un lieu de passage imposé et un espace à réapproprier. Les ponts, les dessous d’autoroutes, les murs de soutènement se transforment en supports pour le graffiti ; les terrains laissés vacants par les expropriations accueillent des block parties improvisées. Le hip-hop naît donc aussi d’une volonté de recoudre symboliquement un territoire fragmenté, en tissant des liens par la musique, la danse et l’art visuel là où l’urbanisme a produit de la séparation.
Le déclin économique des années 1970 et l’abandon immobilier
À la crise urbaine s’ajoute, dans les années 1970, un déclin économique brutal. De nombreuses usines et entreprises quittent New York, les emplois se raréfient et le chômage explose dans le Bronx. Face à la baisse des loyers et à la montée des risques, certains propriétaires choisissent d’abandonner leurs immeubles, voire d’organiser des incendies pour toucher les assurances. En 1973, on recense jusqu’à 30 000 feux dans le borough, au point que l’expression « The Bronx is burning » fait le tour des médias.
Cette situation dramatique a cependant un effet paradoxal sur la créativité locale. Des appartements vides se transforment en studios improvisés, des sous-sols en salles de répétition, des boutiques désaffectées en lieux de rencontre. La rareté des ressources techniques pousse les DJ à bricoler leurs installations, à perfectionner des solutions économiques et ingénieuses. De la même manière, le manque d’espaces institutionnels incite les danseurs et les graffeurs à investir la rue comme scène principale. Là où la ville se retire, le hip-hop occupe le terrain.
Les terrains vagues et espaces publics comme scènes alternatives
Les « lots » vacants, ces terrains vagues résultant de démolitions non suivies de reconstructions, deviennent des espaces charnières pour la culture hip-hop. On y installe des sound systems, on y trace à la craie des cercles pour les cyphers de danse, on y organise des concours de rap improvisés. Loin d’être de simples no man’s lands, ces interstices urbains se muent en lieux de socialisation intense, où se fabriquent des styles, des alliances, des rivalités.
Les parcs et les aires de jeux jouent aussi un rôle central. Les playgrounds servent de décors aux premiers battles de breakdance, les murs des gymnases municipaux accueillent les fresques de graffeurs, les centres communautaires hébergent des jams quand la météo ne permet plus de rester dehors. Vous imaginez aujourd’hui un festival sans scène officielle ? Dans le Bronx des années 1970, chaque coin de rue pouvait se transformer en scène à part entière, pour peu qu’on y apporte un peu de courant et beaucoup d’énergie.
La diffusion mondiale du hip-hop depuis le bronx
En moins de deux décennies, ce qui n’était au départ qu’une culture de quartier va franchir les frontières de New York, puis des États-Unis, pour devenir un langage universel. Comment les gestes, les sons et les codes élaborés dans le South Bronx se sont-ils retrouvés à Tokyo, Paris ou Johannesburg ? La réponse tient autant au cinéma et aux tournées qu’à la capacité du hip-hop à dialoguer avec d’autres contextes urbains.
Wild style et les premiers films documentant la culture hip-hop
En 1982 sort Wild Style, réalisé par Charlie Ahearn. Tourné en grande partie dans le South Bronx, ce film hybride entre fiction et documentaire réunit graffeurs (Lee Quinones), MCs (Busy Bee, Grandmaster Flash), b-boys (Rock Steady Crew) et DJ locaux. Il offre au public une plongée quasi documentaire dans les jams, les murs peints, les battles de danse et l’ambiance des rues new-yorkaises du début des années 1980.
Diffusé dans les circuits alternatifs aux États-Unis puis en Europe, Wild Style devient rapidement un objet culte. Pour de nombreux jeunes en France, en Allemagne, au Japon ou au Royaume-Uni, c’est la première rencontre visuelle avec la culture hip-hop dans toute sa diversité. Le film fonctionne comme une carte postale venue du Bronx, mais aussi comme un mode d’emploi implicite : il montre comment organiser une jam, comment peindre un mur, comment se tenir dans un cypher. En ce sens, il accélère considérablement la diffusion internationale du mouvement.
Les tournées internationales de rock steady crew en europe
Au début des années 1980, les danseurs du Rock Steady Crew sont invités à participer à des spectacles et des émissions de télévision en dehors des États-Unis. Leurs tournées en Europe — notamment en France, en Angleterre et en Allemagne — marquent un tournant : pour la première fois, des b-boys du Bronx se produisent devant des publics qui n’ont jamais assisté en direct à une block party new-yorkaise.
Ces démonstrations de breakdance suscitent un engouement immédiat. Dans les grandes villes européennes, des groupes locaux se forment, s’inspirant des mouvements, des tenues et de l’attitude scénique des Rock Steady. Des émissions comme H.I.P. H.O.P. en France, animée par Sidney en 1984, contribuent à structurer ces nouvelles scènes. Le Bronx n’est plus seulement un lieu géographique : il devient une sorte de matrice symbolique que l’on s’approprie et que l’on réinterprète à distance.
L’appropriation du hip-hop par les cultures urbaines planétaires
Très vite, le hip-hop cesse d’être une simple importation américaine pour devenir un outil d’expression locale. À Paris, Marseille, Londres, Dakar ou São Paulo, des jeunes issus de quartiers populaires s’emparent du rap, du graffiti et de la danse pour raconter leurs propres réalités. Les thématiques — discriminations, violence policière, chômage, fierté de quartier — trouvent un écho immédiat bien au-delà du Bronx, preuve que les fractures sociales qu’il dénonçait n’étaient pas propres à New York.
Cette appropriation se traduit aussi par des hybridations musicales et linguistiques. On rappe en français, en wolof, en arabe, en espagnol ; on mélange les sonorités hip-hop avec des rythmes locaux, du raï au samba en passant par la chanson. Le Bronx reste une référence fondatrice, souvent citée et célébrée, mais le centre de gravité du mouvement se démultiplie. En quelque sorte, ce qui était né comme une réponse à l’abandon urbain devient un langage global de la ville contemporaine.
Le patrimoine hip-hop du bronx à l’ère contemporaine
Cinquantenaire oblige, le Bronx regarde aujourd’hui son passé hip-hop avec un mélange de fierté et de vigilance. Comment transformer ces héritages en patrimoine vivant, sans les figer ni les trahir ? Musées, visites guidées, événements et débats sur la gentrification illustrent les tensions autour de cette mémoire en pleine institutionnalisation.
Le universal hip hop museum et la préservation mémorielle
Au cœur de cette dynamique se trouve le Universal Hip Hop Museum, en cours de développement dans le Bronx. Son ambition : rassembler archives, objets, enregistrements et témoignages pour raconter l’histoire du hip-hop depuis ses origines, avec une attention particulière portée au rôle du South Bronx. Flyers originaux de block parties, photographies de Joe Conzo, cassettes live, boombox, vestes de crews : chaque pièce contribue à documenter un mouvement longtemps considéré comme éphémère.
Au-delà de la conservation, le musée se veut un lieu de transmission active. Ateliers pour les jeunes, conférences avec des pionniers, expositions temporaires explorant les liens entre hip-hop, politique ou technologies : l’idée est de faire dialoguer les générations et de rappeler que cette culture n’est pas qu’une esthétique, mais aussi une histoire de luttes. Pour les visiteurs, parcourir ces collections, c’est aussi prendre conscience que des gestes aujourd’hui mondialisés ont émergé dans un contexte social très précis, celui du Bronx des années 1970.
Les walking tours historiques du south bronx et tourisme culturel
Parallèlement, des walking tours consacrés au hip-hop se sont développés dans le South Bronx. Encadrées par d’anciens acteurs de la scène ou des guides spécialisés, ces visites proposent de découvrir les lieux emblématiques : 1520 Sedgwick Avenue, les anciens spots de graffitis, les parcs où se tenaient les block parties, le Yankee Stadium ou encore le Grand Concourse. Certaines agences, comme Hush Tours, font intervenir des légendes vivantes telles que Grandmaster Caz pour raconter de l’intérieur ces années fondatrices.
Pour les passionnés, ces tours sont l’occasion de relier les récits entendus dans les morceaux ou les documentaires à une géographie concrète. Pour le quartier, ils représentent une nouvelle forme de tourisme culturel, qui valorise un patrimoine longtemps stigmatisé. La question se pose toutefois : comment faire en sorte que cette valorisation bénéficie aussi aux habitants actuels, et ne se contente pas de transformer leur environnement en décor pour visiteurs curieux ?
La gentrification et les tensions autour de l’authenticité hip-hop
Comme d’autres quartiers populaires de New York, le South Bronx connaît depuis plusieurs années un processus de gentrification. Nouveaux immeubles, cafés branchés, galeries d’art : l’image du Bronx « en feu » cède progressivement la place à celle d’un borough en plein renouveau. Si cette évolution s’accompagne parfois d’améliorations en termes de services et d’infrastructures, elle s’accompagne aussi d’une hausse des loyers et du risque de déplacement des populations historiques.
Dans ce contexte, l’usage du hip-hop comme argument marketing pose question. Affiches vantant un « quartier authentique », fresques street art commandées par des promoteurs, événements sponsorisés : la culture née comme voix des sans-voix peut se retrouver instrumentalisée pour vendre des mètres carrés. Les pionniers, comme de nombreux habitants, rappellent alors que l’authenticité hip-hop ne se résume pas à quelques motifs graphiques ou playlists, mais à une relation profonde entre une communauté, un territoire et des formes d’expression. Préserver cet esprit tout en acceptant que le Bronx évolue : voilà sans doute l’un des plus grands défis des prochaines décennies.